Emilia Pérez (2024), ultimo prodotto sfornato dal regista francese figlio d’arte Jacques Audiard, e vincitore di prestigiosi riconoscimenti internazionali al Festival di Cannes e ai Golden Globe, racconta molto del suo autore attraverso il fulmineo incipit: vediamo infatti, Rita Moro Castro, un avvocato interpretato dall’attrice Zoe Saldana, che, attraverso un improvvisa trasformazione in ballerina principale di un numero musicale, spiega cantando al pubblico lo spinoso caso con cui è alle prese, introducendo, in spagnolo, alcuni dei temi cardine del film: violenza, amore e morte. Un inizio che enuncia e riassume, in pochi minuti, un’intera carriera registica, sia dal punto di vista stilistico (classica camera a mano nervosa, intervallata da brevi piani sequenza mobili e da primissimi piani su dettagli corporei) sia da quello poetico.

Il cinema Jacques Audiard è un cinema poliedrico, che mette in scena un’idea che abbatte, di volta in volta, confini di diverse tipologie e di diverse istanze semantiche. I personaggi dei film del regista, fin dal suo esordio con Regarde les hommes tomber (1994), sono inevitabilmente degli outsiders (messi ai margini da una società che appare stringente e fortemente esclusiva), non per scelta, quanto per incomprensione da parte di chi li circonda. Anti-eroi che non seguono forzatamente un piano specifico e che, piuttosto, si caratterizzano per le proprie fragilità, le proprie fissazioni e i propri umori dai quali è impossibile scappare e a cui bisogna costantemente fare capolino. Sono veri e propri corpi in perenne movimento, in un continuo cambiamento/trasformazione che esprime il loro malessere, la loro inquietudine sociale e appiana i contrasti di cui sono preda.

Le alterazioni repentine che subiscono i corpi dei protagonisti del cinema audardiano sono soprattutto perseguite per adattarsi, per cercare di comprendere meglio la realtà che circonda tutti e per capire come vivere in mondi che, più che terreni, assumono le fattezze di veri e propri inferni. Succede anche al Malik (Tahar Rahim) di Un prophète (Il profeta, 2009), crime carcerario in cui le barriere linguistiche, e corporee, si fanno metafora per esprimere la decadenza di una Francia contemporanea ormai cambiata irreversibilmente. Una Francia contraddittoria, le cui braccia sono quelle di immigrati magrebini e arabi, unici deputati a “sporcarsi le mani” per un Paese che, paradossalmente, prova un tale timore nei loro confronti da confinarli e imprigionarli. Prigioni vissute da outsiders che sono vittime, in prima persona, di tragedie per loro impossibili da evitare, di destini ineluttabili creati solamente in nome di una presunta diversità.

La poetica di Audiard è dunque profondamente umana, formata da elementi vivi, come carne, sangue e ossa, corporea in qualsiasi accezione si possa presentare e viscerale nel momento in cui coinvolge, in prima persona, lo spettatore portandolo ad immedersimarsi totalmente in personaggi segnati da un cammino che, pur con tutte le variazioni possibili, appare segnato in modo irreversibile. Proprio per questo il regista francese è ossessionato ed affezionato al noir, in quanto unico genere/tendenza atto a cogliere le evoluzioni della realtà e a contenere, in sé, suggestioni provenienti da tutti gli altri generi.

La manifestazione del noir nel cinema di Jacques Audiard è correlata alle sensazioni epidermiche dei protagonisti di film come Sur Mes Levres (Sulle mie labbra, 2001) o De battre mon cœur s'est arrêté (2005). Proprio questi ultimi due sono forse l’espressione più pronunciata e compiuta di quanto l'autore identifichi il corpo come perno centrale del suo cinema. In Sur Mes Levres, Audiard riesce a farci riflettere sul rapporto tra noi stessi e l'ambiente circostante, in relazione a ciò che lasciamo filtrare all'esterno con i mezzi che abbiamo a disposizione. La sordità di cui è preda Emmanuelle Devos, dunque, si trasforma da difetto che la emargina, in un primo momento, a strumento che amplifica la sua percezione dopo l’incontro con Vincent Cassel. Un deficit che, nel corso dell'opera, riesce ad acquisire una caratterizzazione positiva e a diventare un plus in grado di ampliare la visceralità che si crea nel rapporto tra i due protagonisti e, soprattutto, a garantire un turning point (illusorio) nelle loro vite, permettendogli di sognare un lieto fine che è però puntualmente azzerato e annullato dall’incombere del genere.

De battre mon cœur s'est arrêté esprime, invece, con ulteriore forza, cosa per Jacques Audiard rappresenta il corpo umano: un oggetto infilmabile, una scheggia impazzita in continuo movimento. Questo remake di Fingers (1978), splendido noir neo-hollywoodiano di James Toback, viene interamente costruito sulle fattezze di Romain Duris. L’attore restituisce perfettamente il senso di alienazione di una fisicità “elettricamente” caricata all’interno, sincopata nei movimenti e nella struttura, destinata ad una discesa negli inferi dopo aver accarezzato, in parte, la possibilità di evadere dalla fatalità. Un corpo figlio di un ritorno improvviso alle pulsioni, pessimiste e crepuscolari, del cinema di un gigante francese quale Marcel Carné, e che si ritrova alienato ed emarginato a causa degli scarti sociali e culturali. Qui è proprio la differenza culturale tra Duris e chi lo circonda a creare una barriera invisibile impossibile da scavalcare, portando inevitabilmente il protagonista ad abbracciare il male e a non liberarsene mai più - un paradigma che Audiard sottolinea a più riprese lanciandosi in piani sequenza (lunghi, arguti e con tanto di macchina a mano) proprio per garantire un effetto “scheggia” alla materia che ha scelto, di suo pugno, di filmare.

Emilia Pérez (2024), ultimo prodotto sfornato dal regista francese figlio d’arte Jacques Audiard, e vincitore di prestigiosi riconoscimenti internazionali al Festival di Cannes e ai Golden Globe, racconta molto del suo autore attraverso il fulmineo incipit: vediamo infatti, Rita Moro Castro, un avvocato interpretato dall’attrice Zoe Saldana, che, attraverso un improvvisa trasformazione in ballerina principale di un numero musicale, spiega cantando al pubblico lo spinoso caso con cui è alle prese, introducendo, in spagnolo, alcuni dei temi cardine del film: violenza, amore e morte. Un inizio che enuncia e riassume, in pochi minuti, un’intera carriera registica, sia dal punto di vista stilistico (classica camera a mano nervosa, intervallata da brevi piani sequenza mobili e da primissimi piani su dettagli corporei) sia da quello poetico.

Il cinema Jacques Audiard è un cinema poliedrico, che mette in scena un’idea che abbatte, di volta in volta, confini di diverse tipologie e di diverse istanze semantiche. I personaggi dei film del regista, fin dal suo esordio con Regarde les hommes tomber (1994), sono inevitabilmente degli outsiders (messi ai margini da una società che appare stringente e fortemente esclusiva), non per scelta, quanto per incomprensione da parte di chi li circonda. Anti-eroi che non seguono forzatamente un piano specifico e che, piuttosto, si caratterizzano per le proprie fragilità, le proprie fissazioni e i propri umori dai quali è impossibile scappare e a cui bisogna costantemente fare capolino. Sono veri e propri corpi in perenne movimento, in un continuo cambiamento/trasformazione che esprime il loro malessere, la loro inquietudine sociale e appiana i contrasti di cui sono preda.

Le alterazioni repentine che subiscono i corpi dei protagonisti del cinema audardiano sono soprattutto perseguite per adattarsi, per cercare di comprendere meglio la realtà che circonda tutti e per capire come vivere in mondi che, più che terreni, assumono le fattezze di veri e propri inferni. Succede anche al Malik (Tahar Rahim) di Un prophète (Il profeta, 2009), crime carcerario in cui le barriere linguistiche, e corporee, si fanno metafora per esprimere la decadenza di una Francia contemporanea ormai cambiata irreversibilmente. Una Francia contraddittoria, le cui braccia sono quelle di immigrati magrebini e arabi, unici deputati a “sporcarsi le mani” per un Paese che, paradossalmente, prova un tale timore nei loro confronti da confinarli e imprigionarli. Prigioni vissute da outsiders che sono vittime, in prima persona, di tragedie per loro impossibili da evitare, di destini ineluttabili creati solamente in nome di una presunta diversità.

La poetica di Audiard è dunque profondamente umana, formata da elementi vivi, come carne, sangue e ossa, corporea in qualsiasi accezione si possa presentare e viscerale nel momento in cui coinvolge, in prima persona, lo spettatore portandolo ad immedersimarsi totalmente in personaggi segnati da un cammino che, pur con tutte le variazioni possibili, appare segnato in modo irreversibile. Proprio per questo il regista francese è ossessionato ed affezionato al noir, in quanto unico genere/tendenza atto a cogliere le evoluzioni della realtà e a contenere, in sé, suggestioni provenienti da tutti gli altri generi.

La manifestazione del noir nel cinema di Jacques Audiard è correlata alle sensazioni epidermiche dei protagonisti di film come Sur Mes Levres (Sulle mie labbra, 2001) o De battre mon cœur s'est arrêté (2005). Proprio questi ultimi due sono forse l’espressione più pronunciata e compiuta di quanto l'autore identifichi il corpo come perno centrale del suo cinema. In Sur Mes Levres, Audiard riesce a farci riflettere sul rapporto tra noi stessi e l'ambiente circostante, in relazione a ciò che lasciamo filtrare all'esterno con i mezzi che abbiamo a disposizione. La sordità di cui è preda Emmanuelle Devos, dunque, si trasforma da difetto che la emargina, in un primo momento, a strumento che amplifica la sua percezione dopo l’incontro con Vincent Cassel. Un deficit che, nel corso dell'opera, riesce ad acquisire una caratterizzazione positiva e a diventare un plus in grado di ampliare la visceralità che si crea nel rapporto tra i due protagonisti e, soprattutto, a garantire un turning point (illusorio) nelle loro vite, permettendogli di sognare un lieto fine che è però puntualmente azzerato e annullato dall’incombere del genere.

De battre mon cœur s'est arrêté esprime, invece, con ulteriore forza, cosa per Jacques Audiard rappresenta il corpo umano: un oggetto infilmabile, una scheggia impazzita in continuo movimento. Questo remake di Fingers (1978), splendido noir neo-hollywoodiano di James Toback, viene interamente costruito sulle fattezze di Romain Duris. L’attore restituisce perfettamente il senso di alienazione di una fisicità “elettricamente” caricata all’interno, sincopata nei movimenti e nella struttura, destinata ad una discesa negli inferi dopo aver accarezzato, in parte, la possibilità di evadere dalla fatalità. Un corpo figlio di un ritorno improvviso alle pulsioni, pessimiste e crepuscolari, del cinema di un gigante francese quale Marcel Carné, e che si ritrova alienato ed emarginato a causa degli scarti sociali e culturali. Qui è proprio la differenza culturale tra Duris e chi lo circonda a creare una barriera invisibile impossibile da scavalcare, portando inevitabilmente il protagonista ad abbracciare il male e a non liberarsene mai più - un paradigma che Audiard sottolinea a più riprese lanciandosi in piani sequenza (lunghi, arguti e con tanto di macchina a mano) proprio per garantire un effetto “scheggia” alla materia che ha scelto, di suo pugno, di filmare.